Il y a beaucoup d’opinions et de conseils transmis aux nouveaux photographes. Beaucoup apparaissent régulièrement, comme la façon dont vous devez «faire» des photos plutôt que de les «prendre». Certains de ces conseils sont utiles, tandis que d’autres pièces peuvent écraser votre créativité. Suivre les conseils pour éviter une technique commune peut involontairement claquer votre croissance sans que vous vous en rendions compte.
L’approche discutable
«Spray and Pray» est devenu un terme omniprésent dans les cercles de photographie, souvent rencontrés pour la première fois peu de temps après avoir ramassé une caméra. Il décrit la technique de prise de vue autant que possible, souvent de sujets ou de compositions variés, dans l’espoir que l’on s’avère exceptionnel. Bien que la phrase puisse être considérée comme un descripteur neutre, il a pris un ton quasi-péjoratif, devenant un raccourci pour un manque de compétence ou d’intention. De nombreux photographes, qu’ils soient amateurs ou professionnels, voient l’approche avec un mélange de dédain et de frustration.
La phrase porte un poids qui peut influencer subtilement la façon dont nous abordons notre métier. En surface, le conseil pour éviter cette technique semble être une suggestion raisonnable d’adopter une méthodologie délibérée et réfléchie. Je crois que c’est ainsi que la plupart des photographes y pensent. Cependant, la critique implicite dans le «pulvérisation et la prière» peut décourager l’expérimentation et l’exploration. Pour les débutants, le terme peut ressembler à un avertissement: évitez à tout prix cette technique ou risque d’être qualifié de personne qui ne comprend pas ou n’apprécie pas le côté artistique de la photographie.
L’impact de «pulvériser et prier»
Il y a des avantages indéniables à l’aspect édifiant de «Spray and Pray». Se concentrer sur l’intentionnalité dans votre photographie et promouvoir attentivement la composition, l’éclairage et le timing avant d’appuyer sur l’obturateur sont sans aucun doute des messages positifs. Cet état d’esprit peut favoriser une plus grande connexion avec la scène et contribuer à la satisfaction de capturer un plan bien exécuté. Cela peut aider à garantir que nous racontons l’histoire, en une manière de parler et d’exprimer notre vision artistique.
Cependant, la phrase est également livrée avec un coût élevé. Éviter activement «pulvériser et prier» peut inculquer un besoin rigide de réaliser «le» tir, créant une mentalité tout ou rien. Cette pression pourrait conduire à une concentration inflexible sur la réalisation de compositions sans faille, ce qui rend la photographie beaucoup plus stressante qu’elle ne doit l’être. Le stress entrave la créativité, et donc le risque ici est qu’une spirale négative se développe: à mesure que la pression de la capture de «le coup» augmente, les photographes peuvent se sentir de pire et pire à propos de leurs capacités, remettant finalement en question leur quête de la forme d’art. Les compositions ratées deviennent des preuves d’ineptie plutôt que d’une partie du processus naturel d’apprentissage et d’amélioration. Pour beaucoup, cela peut étouffer la volonté d’essayer de nouvelles techniques ou d’explorer des sujets et des styles inconnus – des éléments essentiels de croissance dans toute poursuite créative.
Il convient de réfléchir à la question de savoir si le terme influence votre propre approche de la photographie. L’idée de «pulvériser et de prier» pourrait constituer subtilement votre état d’esprit, vous amenant à éviter les compositions où le succès est incertain ou hors de contrôle. Vous pouvez inconsciemment vous empêcher de prendre des risques, craignant qu’une approche plus exploratoire ne soit perçue comme non raffinée ou involontaire. Dans le même temps, vous pourriez trop vous fixer sur la capture de la perfection dans un seul cadre, créant une pression inutile et nuisant à la jouissance du processus. Reconnaître ces influences potentielles est la première étape pour comprendre s’ils s’alignent avec vos objectifs en tant que photographe ou s’ils limitent votre croissance créative.
Considérez combien de professionnels pratiquent leur photographie. Leurs portefeuilles finaux présentent une précision et un talent artistiques extraordinaires, mais la réalité est qu’ils prennent beaucoup plus de tirs qu’ils ne le partagent. Ce n’est pas une mauvaise chose! Un photographe faunique, par exemple, peut tirer des centaines de cadres de leur sujet pour capturer le moment parfait. La photographie de paysages marins ou de toute eau mobile peut produire un transport similaire d’images brutes pour obtenir la vitesse et l’effet d’obturation souhaités.
Bien que la photographie numérique nous permette la marge de manœuvre de tirer autant de trames que nous en avons besoin, essayer différentes options n’est pas nouveau. Lors de la randonnée à moitié du dôme, Ansel Adams a apporté 12 assiettes. Il a utilisé trois assiettes sur une composition du mont Clark lors de la randonnée, dont deux ont été ruinées par le vent en déplaçant la caméra. Il a fait quatre autres images avant d’atteindre son emplacement final. Il y a utilisé trois plaques supplémentaires, en utilisant deux pour essayer différentes compositions. Avec seulement deux assiettes à gauche, Adams a tourné son attention vers le demi-dôme. Il a pris le temps de mettre en place sa composition et a fait une image à l’aide d’un filtre jaune. Sentant que le filtre jaune réaliserait son effet souhaité, il a utilisé sa dernière assiette, cette fois avec un filtre rouge. Ce n’est que la dernière de ces 12 plaques qui est devenue une œuvre emblématique: «Monolithe, le visage du demi-dôme».
Le point à retenir est le suivant: il n’est pas réaliste de penser que vous nouerez chaque plan dans une tentative. Un travail remarquable et robuste est construit sur les itérations de «miss» – pas des échecs, mais des tremplins dans votre voyage photographique.
Une approche différente
Au lieu de vous éloigner de prendre de nombreux coups de feu, pensez à embrasser un état d’esprit ludique ou expérimental sans vous soucier du nombre de photos que vous prenez. Le jeu, à la base, consiste à s’engager dans une activité pour lui-même sans égard au résultat. C’est quelque chose que la plupart des photographes gravitent naturellement, que des professionnels ou des amateurs qui tirent de pur plaisir.
L’injection de jeu dans votre photographie peut être aussi simple que vous le souhaitez. Peut-être que c’est choisir un emplacement et se promener autour de lui sans un objectif spécifique à l’esprit, photographier tout ce qui arrive pour attirer votre attention. Peut-être qu’il choisit un élément sur lequel se concentrer lorsque vous sortez, comme les textures, les formes ou les ombres. Peut-être que c’est choisir un sujet et en créer autant de compositions différentes que possible. Il y a beaucoup d’idées en ligne ou dans des livres si vous avez besoin d’aide pour commencer.
Si le jeu est trop frivole, envisagez de l’approcher davantage en termes d’expérimentation. Posez-vous des questions «et si» et laissez votre appareil photo vous aider à y répondre. Et si vous vous déplacez pour que votre sujet soit rétro-éclairé? Et si vous modifiiez votre ratio d’aspect? Et si vous essayiez une orientation verticale plutôt que horizontale? Et si vous deveniez bas ou haut? Et si vous ralentissiez l’obturateur pour exagérer le mouvement? L’expérimentation ne concerne pas des résultats parfaits; Il s’agit d’apprendre ce qui fonctionne – et ce qui ne le fait pas – pour vous.
Même lorsqu’une expérience réussit, ne vous arrêtez pas là. Poussez plus loin et essayez d’autres approches. Comprendre la conséquence de chaque changement sur la photo. Pensez à ce que vous pensez de cet impact. Le processus peut vous aider à affiner votre approche photographique ou à découvrir de nouvelles directions que vous souhaitez poursuivre. Pour moi, mélanger ces tests méthodiques avec l’exploration artistique construit un pont de mon cerveau analytique à mon créatif. Il peut fournir un cadre pour aborder un sujet donné intentionnellement tout en permettant à la place de jouer ou d’expérimenter dans ces limites.
Conclusion
L’adoption d’un état d’esprit ludique ou expérimental peut libérer votre photographie de la pression de l’obtention d’un résultat spécifique. Oui, vous prendrez plus d’images, mais ce n’est pas intrinsèquement une mauvaise chose. En passant à l’occasion d’un produit étroit ou d’un résultat à la joie de l’exploration, vous découvrirez peut-être non seulement plus de satisfaction dans le processus, mais aussi un coup de pouce surprenant dans votre créativité.
Ainsi, la prochaine fois que vous partez avec votre appareil photo, lâchez la peur d’être étiqueté comme quelqu’un qui «pulvérise et prie». Au lieu de cela, prenez ces photos supplémentaires, essayez quelque chose d’inattendu et voyez où le voyage vous mène. La photographie, d’une manière très réelle, concerne la découverte – pas seulement du monde qui vous entoure, mais aussi de vous-même.
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